In 8M Especial mujeres en la música Mundo. Música y Mujeres

Especial: un año de mujeres




Este especial se da gracias al 2018, pues todo nace desde un cuestionamiento.

El 8 de marzo del año pasado, en Twitter (una de mis plataformas mas usadas) se empezó a difundir el Spotify Equalizer de Smirnoff. Este tenia por objetivo evidenciar cuántas mujeres estaba escuchando cada usuario en esta plataforma de streaming. De ahí empecé a ver muchos porcentajes de regulares a bajos. Dos usuarios (Gabriel y Pablo) preguntaron por algunas recomendaciones de bandas femeninas o con integrantes femeninas para empezar a escuchar. De ahí nace esta recopilación, que al rededor de todo el año se fue agrandando entre mis añadidas y las de varias personas. 

Como resultado salieron tres playlist, cada una contiene 100 canciones, donde cada canción es una artista diferente. Aquí no hubo límite de género (aunque existe un tendencia, ya que soy más cercana a unos géneros que a otros), ni limite geográfico. Hay bandas de muchos países, de mujeres diversas que se han parado fuerte con sus sonidos. 

Todo esto con el objetivo de ayudar a erradicar una de las excusas que siempre se plantean a la hora de hablar de las mujeres y su música en los festivales y en nuestras propias listas: "es que no hay tantas"Mi objetivo no es que conviertan sus listas en solo voces femeninas, sino que entiendan que hay mujeres en la industria que son buenas. Aquí hay 300 y con que puedan tener a una que le guste tanto como para compartirla y hacerla crecer, es suficiente. 

Alienten a las niñas y a sus amigas a hacer música, apoyen a sus bandas amigas, exijan como oyentes una curaduría consciente en los eventos a los que asisten, sean promotores responsables y mujeres, nunca, nunca, dejen de hacer música.



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In Chúpame el dedo Crónica Especial Eventos hermanos Menores In-correcto

Crónica de un rito cadencioso




Todas las fotografías fueron tomadas por Marcela Parra (@marzzzzela)

El pasado sábado tuve la oportunidad de poder ver a dos grupos que me gustan mucho estrenando discos que encabezan desde ya mi lista de álbumes del año: Hermanos Menores y Chúpame el Dedo.

Después de doblar cajas para casetes con el equipo de In-correcto (den click) —organizador del evento— comer aborrajado y pasar por Rat-trap, llegamos a Antipoda, uno de los nuevos sitios que adoptará las bandas para toques en la capital. Amplio, y acogedor se abre paso en medio de Chapinero. Funcionando también como galería, se pinta como un gran sitio a futuro dentro de nuestro consumo cultural. Dejamos los equipos y luego salimos, volví con tres cervezas que nos tomamos donde Doña Esperanzita —sí, con z— y algunos shots de un litro de aguardiente encima, porque todos los ritos que conozco tienen alcohol. Si hubiera sido católica, en vez de Moscato hubiera llevado una caja de vino para consagrar. 

Ahora que lo pienso, en la entrada antes de atravesar el pasillo, debimos haber puesto un letrero que dijera "¡Oh vosotros los que entráis, abandonad toda esperanza!", para hacer conciencia de cómo se abrían a nuestros pies las puertas de Satán, y se iluminaba el escenario de color rojo que nos esperaba para poguear y perrear. Por el contrario, solo pusimos un árbol de navidad que encontramos en la calle cuando volvíamos al sitio. 

La gente empezó a llegar, lenta pero contenta. Ese sábado había una gran conglomeración de eventos en la ciudad, aun así teníamos un publico favorable.

Cerca de las once se subió la primera banda: Hermanos menores, que realmente no sé hace cuánto no los veía, porque no recordaba a Daniel con el cabello tan largo. Recuerdo que la primera vez que los escuché en vivo, fue en una inauguración de un Distritofónico, donde rompieron —creo— dos de las cuerdas de la guitarra mientras tocaban. En esta ocasión, al igual que en la pasada fecha, me encontraba con el que llamo el fan#1 de la banda, Pablo Chilito, que estaba igual de feliz por verlos a aquella vez, en el 2017.


Hermanos Menores suena y se ve denso. Mientras tocaban, veía a Daniel en algunos instantes —porque estaba más cerca y yo no tenía gafas para ver un poco más hacia atrás con la misma nitidez— quien literalmente estaba en un trance con su instrumento. A veces miraba al público, solo cuando no estaba moviendo su melena y saltando, pero su mirada no era la misma que cuando estaba fuera de escena; era cruda, perdida, elevada por el efecto de las canciones. De la misma manera estaban los demás miembros, a quienes podía ver mecer con toda la energía sus cuellos casi al punto de parecer que se rompían. 

Los visuales se perdían un poco para aquellos que estaban en la parte de abajo, los del balcón posiblemente sí los disfrutaron. En algunas canciones se hicieron pogos, en otras solo veía cabezas, algunas bien, algunas alcoholizadas, otras drogadas meciéndose al ritmo de Noise-Rock, que a veces  se inclina más hacia el metal, de esta banda capitalina.

Entre banda y banda colocaron clásicos de la música entre los 60's y los 90's, que disfrutamos comprando más pola para dejar en disposición del padre del conocimiento nuestro cuerpo y nuestra mente.

Bajo togas de color, se subieron los personajes de Chúpame el dedo, que para ser sincera, era lo que mas quería ver/oír porque nunca había tenido la oportunidad de apreciarlos en vivo. Apenas se ubicaron en la tarima, sentí el climax bailable de este rito, donde no se diferenciaba entre quienes estaban poseídos por entidades del más allá y quienes solo estaban en un perreo satánico violento a punto de perder hasta la dignidad, si es que algún día la habían tenido.  


Chúpame El Dedo es de mis dúos favoritos, porque tienen un elemento que amo: la carnavalización. El rebajamiento de esta entidad tan cargada de simbolismos al rededor de la cultura popular es simplemente una gran carnada para tomarse cualquier atrevimiento en sus eventos. La irreverencia, la grosería, lo sucio, lo vulgar en su mayor disfrute confluye en su puesta en escena. 

Con esta agrupación uno no sabe si mover el derrier o cogerse a los puños con los asistentes. Los pogos pueden fácilmente resultar siendo al final un trencito en el que todos resultan frotándose los unos a los otros queriendo estar en bola en medio del perreo sucio. En este pacto ni el publico está en sus cabales, ni Eblis y Pedro, son Eblis o Pedro, parecen dos personajes sacados de un libro siendo pequeños diablillos que adoran causar males. 

Todos los que estuvimos presentes, tuvimos la oportunidad de apreciar las canciones nuevas, antes de que se estrenen en plataformas el próximo 15 de marzo. Vivimos de antemano el sacrificio donde no elevamos cuerpos de jóvenes vírgenes, sino que empeñamos nuestra cordura.

A punta de cabeceo revuelto con meneo indecente concluyó la noche, con el deseo de volver a probar del fruto que nos lleve a ser expulsado del paraíso, solo para pecar una vez más, sin importar si somos condenados al eterno disfrute.

Vean nuestra galería completa del evento y sigan nuestro contenido en; @nonserviamblog







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In 2019 Argentina Leda Valladares Música y Mujeres Novedades Musicales Tradición

El camino de Leda: Homenaje al folclor


Cuando pensamos en distribuidoras de música importantes e independientes en latinoamerica y tenemos como referente la música tradicional, podemos claramente tener en el radar a Fértil Discos, de Argentina. Es este quien se ha encargado de llevar a nuestros oídos —o por lo menos a los míos —  artistas como El Remolón o Pol Nada. Pero más allá de eso, Fértil Discos ha venido haciendo un trabajo muy ¡muy! importante. En el 2017 sacó el compilatorio La San Llamarada realizado por Pol Nada, el fundamento de este era el reconocimiento de Linares Cardozo, un personaje importante a la hora de hablar de tradición y cultura en aquel país. pueden leer una reseña que hice para aquel compilatorio dando click aquí. 

Esta vez, dos años mas tarde, a manos no solo de un artista sino de varios, se han vuelto a poner la 10 para sacar El Camino de Leda, un homenaje a Leda Valladares, quien al igual que Cardozo, fue parte importante del folclor. Poetiza, interprete y escritora la convirtieron, junto a personalidades como Maria Walsh, con quien trabajo varios años, en pilar importante de la cultura no solo argentina, sino latinoamericana. 

Su trabajo decolonial logró que pese a que fuera de una familia burguesa, criada en la cuna del pensamiento europeo, lograra cultivar un Tucuman desde lo raizal y replantear el imaginario de argentinidad que se vivía en los noventa con el auge del rock en latinoamerica y más en su país, donde bandas como Soda Stereo dominaban  los mercados. El pensamiento fronterizo logró emplear el rescate dado por la tradición hispana en un reconocimiento de la música a la que geográficamente estaba expuesta pero ignoraba. 

Desde ahí parte todo un trabajo de investigación, recolección y sistematización de toda una historia no oficial, la historia contada a través de los cantos de sus ancestros.  Para refrescar la memoria o conocer a Leda en su estado puro, pueden escuchar Un Grito En El Cielo Vol. 1 y Vol. 2, compilatorios realmente preciosos donde con artistas como Cerati interpretan música salida desde lo mas profundo de la tradición. 

Su propuesta re-vitalizadora se extendió hasta después de su muerte y es lo que hoy nos permite tener El Camino de Leda, una reelaboración a la tradición misma, a partir de las nuevas tecnologías en la música. La propuesta de Fertil Discos  es " buscar generar desde la nueva música y la tecnología, texturas y sonidos (muchas veces imposibles de lograr con instrumentos) que creen espacios diferentes para recibir esas voces, y también valerse de ritmos y cadencias que no sólo nos devuelven lo ancestral, sino que también lo vinculan a nuestra experiencia diaria en las ciudades modernas". 

Escuchar este disco es un viaje por nuevos lugares no explorados en el tiempo de Leda, que se amalgaman perfectamente a la expresión de esta. Si bien, las canciones son más dinámicas y mucho mas arregladas por obvias razones, se mantiene una pureza digna de las montañas de las que vienen estos ritmos. El álbum tiene en su mayoría una organización de un productor y una sola voz. Siento que es un elemento importante, porque si bien, en su totalidad está la recuperación del concepto de canto colectivo, la individualidad de cada canción le da un aire no solo más personal, sino mas solemne.

La canción que abre es una baguala, interpretación que originalmente depende de una caja, una quena y una voz, base que se mantiene en esta reinterpretacion. En segundo lugar, tenemos una de mis canciones favoritas de todo el disco: Yo He Sido. La interpretación de la voz es hecha por Shaman Herrera. Escuchar a este hombre es estar envuelto en una textura completamente ajena a la que nos pueden presentar muchas voces regularmente. La profundidad y grosor de su canto nos acoge en medio de un eco engrandecido dedicado a el primer beso, representado en la lírica por muchas cosas vivas, que crecen, que vuelan, como el naranjo florido o la mariposa. 

Cuando Oiga Sonar la Caja, es una oda a ese gran momento de encuentro entre la tradición y el sujeto. Entre lo que pude leer de las vidalas, son cantos que poseen una melodía melancólica pero aun así dan vida, según la creencia popular. Lo cual me parece curioso, porque sí es evidente que, pese a que se siente un aire mas cadencioso, aun así sigue siendo una canción muy enérgica que gira alrededor de la belleza del canto y del sonido, es a mis oídos un acto de catarsis frente a eventos complicados.

De hecho es mucho mas visible el componente de lo melancólico en canciones como Ay, Pajarillo, en el que en medio de los recuerdos, el cantar alegre de un ave logra despertar un dolor en quien lo escucha. Por esta tónica le siguen canciones como En Otro Poder y Sin Darle Motivo, las cuales también muestran un dolor causado por el desamor.

Todas las líricas están soportadas por imágenes muy hermosas de la vida como un proceso, realizando metáforas constantes al rededor de elementos en la naturaleza y sus ciclos. Así mismo termina el álbum, cerrando con Canción de Velorio, es decir con el fin de un ciclo. Pareciera ser que todo el trabajo está soportando también por el recorrido de la vida, a través de las diferentes etapas del amor, desde el nacimiento de una insinuación al querer hasta el final donde todo muere y se desvanece. Así, el camino de Leda tiene un inicio y un fin marcado mas allá de la enumeración de las canciones.

Este trabajo no me parece solamente importante por su carga estética, sino también por su peso en la difusión de una cultura que vamos perdiendo poco a poco a manos de nuevas tendencias. Por eso me parece esencial reivindicarlas culturalmente y más si se lograron modificar de manera que ahora son mas accesibles para los oídos de nuevas generaciones, como la nuestra, que no vivió tan expuesta a toda esta música llegada de lo profundo de los paisajes.

Los invito así a escuchar, descubrir o re-descubrir a Leda Valladares.

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In 2018 Estados Unidos. explicación Hozier Irlanda Mavis Staple Movement NFWMB Nina cried power Novedades Musicales pop Rock significado Soul

HOZIER: -POESÍA, MÚSICA Y MOVIMIENTO-



Hace poco pensaba que sería una desgracia para mi generación que Hozier se convirtiera en uno de esos artistas one hit-wonder. En el 2013, con la puntería certera de un hombre alado, puso a cuanta emisora existente en más de tres continentes, a reproducir, una y otra vez, Take Me To Church. El éxito, tanto de la canción como del video, la posicionó rápidamente como “Una de las mejores canciones de lo que va del siglo.” Durante el año siguiente publicó su primer álbum “Hozier” y llegó hasta el 2015 como una de las grandes promesas de la música. A todo el éxito arrollador lo sucedieron casi 2 años de silencio absoluto por parte del artista… ¿en serio ese álbum que oscilaba entre el rock el pop y el soul era todo lo que el irlandés tenía para nosotros? Pista: ¡NO! (Thanks God!)


A finales del año pasado Hozier rompió su silencio con un EP y dos sencillos posteriores que lo volvieron a ubicar en la mira. Nina Cried Power, la canción que le dio nombre a la publicación es, sin duda, la prueba de que al músico no le va a quedar difícil superar en calidad a la ya clásica Take me to Chrurch. La canción es un eco en homenaje a algunos grandes artistas quienes apoyaron el movimiento por los derechos civiles en su momento. Lo mejor es que si en sus primeras obras se dejaba ver cierta atracción por el soul, aquí se ha lanzado y zambullido en esas aguas siempre diáfanas y agitadas en compañía nada más y nada menos que Mavis Staples: cantante de gospel y activista política estadounidense.

A pesar del largo tiempo en que no tuvimos noticia en el mundo de la música sobre Hozier; y de los 79 años de Staples, sus voces llegan con la fuerza y la translucidez del espato de Islandia. Se acompañan de los coros envolventes típicos de la profanación de la música sagrada, el instrumento de percusión universal: las palmas, y unos tímidos, pero certeros teclados y un bajo que ayudan a sostener la melodiosa voz del irlandés. Y aunque no todas las nuevas canciones, ni las del próximo álbum según el mismo artista, tienen ese peso político, la verdad es que sigue siendo una de las mejores características de las producciones del compositor.



La segunda canción del EP es NFWMB, siglas de Nothing Fucks With My Baby. Una traducción perfecta del equilibrio entre lo eléctrico y lo acústico; y el ya conocido juego que el cantante establece entre la música y la poesía. Esta vez su voz, lejos de la fuerza de la primera pista, pero con la seguridad inefable de la suavidad, se deja escuchar mientras se pasea entre capas de velos movidos por el viento silencioso que no busca birlar la voz, sino dilatarla. La canción parece responder al poema Second Coming  de Yeats desde la perspectiva de uno de “los peores (quienes están) llenos de apasionada intensidad.” El panegírico de un seductor que busca corromper con el deseo, la única salvación del fin del mundo.

El monstruo que ha sido despertado después “de veinte siglos del pétreo sueño” va camino hacia Belén para destruir todo rastro de humanidad y, sin embargo, existe una sola persona capaz de detenerle y hacerle retractarse; pero claro, Hozier, su voz, es uno de los peores de este mundo y sabe que para dejar que la destrucción suceda no debe atacar al monstruo sino a su debilidad, por eso le seduce. Una de esas letras profundamente trabajadas y bien ensambladas que termina por ser el lado B del poema de Yeats.



Movement, aunque no hace parte oficial del EP, sí es uno de los sencillos publicados días después. Y si ya nos ha puesto a oscilar entre la música y la política y la música y la poesía, esta vez es el turno del movimiento. Además, como si la experiencia que nos brinda el compositor no fuera suficiente, el video de la canción tiene como protagonista a Serguéi Polunin, con una de esas puestas en escena que embelesan y no dejan parpadear. Más que una coreografía, lo que ha logrado hacer el bailarín principal más joven del Royal Ballet de London, es mostrarnos la lucha interna del crecimiento, del avance, mientras la voz lo invita a nunca parar.

Para esta pista vuelven los coros, como ondas generadas en la superficie del agua por la voz principal: potente, fuerte y diestra. Y el acompañamiento de unos teclados que recuerdan al órgano utilizado en ritos sagrados, forma en que también son descritos los movimientos de Polunin. Hozier se ha convertido en la corriente que agita el agua y Serguéi en el milagro que emerge de ella.



Realmente me encanta que un artista actual, de la talla de Hozier, con su conocimiento en la música, la poesía y la naturaleza humana venga a ofrecernos su verdad en estas piezas musicales que contienen mas de lo que uno puede encontrar a simple vista. Se espera que en 2019 lance al público su segundo trabajo discográfico del que ya hemos recibido un abrebocas de una calidad impresionante. Un músico que vale la pena apoyar y seguir porque, a pesar del tiempo que le toma, tiene mucha belleza por ofrecer.


                                         
   
Gracias a él por hacerlo y a ustedes por leer.  

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In Colombia El Armador del sol Entrevista Especial Luis7lunes Rap Vic Deal

Entrevista: Luis7lunes/ Vic Deal

Fotografía: David Gomez 

Algún tiempo viví en el error y juzgué el rap sin escucharlo afondo, desde el desconocimiento. Por la Daniela del pasado pido disculpas. Con el tiempo he podido, entre lo poco que escucho, ir entendiendo, apropiando y queriendo un género que ha estado mas cerca de mi área de estudios de lo que alguna vez creí. La creación de narrativas y el poder del juego con el lenguaje, me han hecho hoy por hoy, admirar y gustar del rap. 

El día de hoy, les traigo una corta charla que realicé hace poco con dos grandes representantes de este a nivel nacional: Luis7lunes y Vic Deal. Gracias a David por la invitación. 

Recuerden que pueden seguirme en redes (si hacen click irán a las diferentes páginas), aunque soy muy mala CM. Bienvenidos.

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***


Empecemos hablando un poco de sus procesos. Les haré la pregunta que hago siempre y es mi favorita ¿con qué música se criaron?

L7L: pues, que yo recuerde, mi mamá colocaba todo el día salsa brava. Le gustaba mucho Juan Manuel Serrat también y la música protesta. Yo vengo de padres de izquierda, entonces creo que esa música en la generación de los padres de uno fue super importante.

Vic Deal: mi mamá era muy fanática de la música romántica latinoamericana y española, y mi papá es un salsero enfermo. Bolero y folclor colombiano del norte de la costa.

¿cuál fue el primer disco que compraron ustedes mismos?

L7L: The Marshall Mathers 

Vic Deal: el primer cd que yo compré con mi plata, Propio Orgullo de Grito — Hardcore, aleta — añade Luis

Entiendo el rap como algo muy cercano a mi área de estudio que es la literatura ¿cómo crees tu que te ves en las diferentes caras de la creación? ¿Quién es Luis como escritor, como narrador y como personaje dentro de la formación de un trabajo discográfico de este género?

Esa pregunta esta buena. Escribir como tal depende del estado en el que me encuentre y, uno como músico también depende a veces de los beats de los que se dispone en el momento. Muchas veces, lo que hago cuando no tengo beats es garabatear; ir por la calle y pum "uy gonorrea que hijueputa linea la que me salió" y la guardo en el celular o a veces estoy con los parceros y "oigan vean esta rima" y la guardo. Pero ya sentarme a escribir, eso siempre lo hago sobre un beat y ha sido un proceso que me ha gustado mucho, escribir me gusta un montón, no solo rap. Es una parte que me toma mucho tiempo, borro la letra o vuelvo y la hago.

La parte de narrar para mi vendría siendo la grabación o mostrarlo en vivo. La grabación es un proceso muy corto porque estoy tan metido que me sé las canciones muy bien y las saco rápido , grabamos en dos, tres tomas y sale. 

Y como personaje, mis letras son completamente personales, yo creo que el que escucha la vuelta se va a encontrar es con Luis, los pensamientos de Luis, lo que Luis siente, aunque obviamente eso hace parte de los males colectivos y también de las cosas chimbas que se generan colectivamente. Si yo hablo de que a mi me pasaron cosas muy chimbas, la persona que me escucha se va a identificar porque también le pasan cosas chimbas así no sean las mismas que me pasan a mi. Pasa lo mismo con las otras, creo que es personal pero la gente se identifica porque también lo vive.

¿Cómo se pueden generar momentos narrativos a través de beats?¿cómo se cuentan historias o qué se quiere contar o mostrar cuando se samplea?¿qué se busca detrás de eso?

Vic Deal: bueno, en el sampleo es muy particular porque de cierta manera uno como beatmaker quiere inmortalizar un fragmento que genera una sensación, independientemente de si es triste o alegre, son las sensaciones hablándote en el momento del sampleo, eso es lo bacano de sacar música para samplear, escuchar y decir "uf, esto no es lo que estaba esperando". Creo que hablan netamente las emociones, interpreto y materializo. 
Uno aprende a hacer buenos beats cuando entiende eso, qué es lo que  te está hablando. A veces escucho beats viejos e identifico que no interpreté bien eso, debe haber algo que te logre envolver del todo en ese mundo y esa realidad.

Con Luis en particular pasamos mucho tiempo a través de la creación del disco y el pasó por muchos momentos en la vida. siempre llegaba y yo le mostraba un beat que me gustaba y él sentía lo mismo, en ese aspecto estuvimos muy conectados.

¿Cuánto duró todo el proceso del Armador del Sol? desde sentarse a escribir hasta ya tenerlo en sus manos

L7l: de todo, por ahí dos años y un poquito. de grabación fueron tres meses, las maquetas no las cuento porque cambiamos casi todo.

¿Qué significado tiene el concepto de la independencia?¿cómo lo ven reflejado en lo que hacen?¿Es un concepto  vital para ustedes?



L7l: libertad, la facilidad de yo poder sin que nadie me diga, ni me presione, sentarme a escribir sobre lo que se me de la gana y poder coger el sample que se me de la gana y darle la intención que se me de la gana, es la ventaja mas bonita de la música independiente

Vic Deal: si hablamos de recursos, los gestionamos nosotros mismos, Luis es médico y yo diseñador y metemos plata así sepamos que nos va mos a quedar boqueando toda la quincena sin nada, pero no importa. Es muy gratificante para nosotros. Ahora digamos que, por fortuna, de un tiempo para acá tenemos toques y nos los pagan porque la gente quiere escucharnos, ver nuestros shows. 

Creo que es un paso importante que deben entender muchos otros géneros, que los promotores entiendan que el esfuerzo de la gente debe ser remunerado, no se hace música con el fin de que te remuneren, pero es un reconocimiento.Pero no pasa en todas las escenas en Colombia.

Nosotros, que somos de la escena hardcore — dice Vic dirigiendose hacia los demas integrantes del equipo de trabajo— ahí no pasa. Es muy extraño y de cierta manera, a mi no me gusta, porque se siente que el beneficio es solo del promotor. Es un género que requiere mas gastos, pero también debe haber un valor por lo que haces. Por fortuna al rap le ha llegado su momento, ahora hay mucha gente tirando para el mismo lado, entonces el esfuerzo se multiplica y tiramos pa' delante mas duro.

Lo que había pasado muchas veces con el rap, era que, mientras cogía fuerza llegaba algún genero de moda y la gente se cambiaba y eso no dejó que se consolidara una industria, que es el paso que estamos dando, en el que podamos pagar para todos, donde...todos tengan que comer.

Van a recomendar raperos, de Colombia, de latinoamérica y a nivel mundial, también una rapera

L7l:  tienen que escuchar a Luis7lunes —dice entre risas— no se quien es, no lo quiero conocer. También a Alcolirykoz a ellos los deberian conocer en todo el mundo y Roc Marciano que está dando la parada y una rapera, Rapsody.

Vic Deal: Sison beats, T&K de Argentina, al Juaninacka y corchado con las raperas. deben haber menos fans y mas viejas que rapeen.

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In artista Cine David Bowie Especial Inglaterra. música Películas pop

DAVID BOWIE: NUESTRO AMADO OUTSIDER (Y CINCO PELÍCULAS QUE LO DEMUESTRAN)


Paul Trynka, hace poco menos de una década, publicó bajo el nombre de “DAVID BOWIE: STARMAN. La biografía definitiva” uno de los mejores registros que tenemos, hasta ahora, de la vida de uno de los artistas más grandes a nivel mundial. Todo el libro es maravilloso, pero el inicio, sin duda, es todo un acierto: Trynka narra, con perspicacia y emoción, la primera vez que David Bowie actuó en Top of the Pops un programa clásico de la BBC dedicado a presentaciones en vivo de grandes artistas. Para ese entonces Bowie estaba en el #41 de la lista de éxitos, pero fue a través de la transmisión del programa, en julio de 1972, que la particular figura del chico: andrógino, deslumbrante, pansexual, chocó con la mirada de 15 millones de espectadores británicos.


“…En miles de hogares, los chavales, cientos, miles de ellos, están extasiados, al tiempo que los padres lo miran con desprecio, gritan o se van de la habitación. Y mientras se siguen preguntando cómo reaccionar, se produce otro viraje: al son de let the childrens boggie, David and The Spiders irrumpen con un ritmo de baile descaradamente a lo T. Rex. Para toda una generación de adolescentes se acaba de hacer la luz: aquellos 90 segundos de una tarde soleada de julio de 1972 alteraron el rumbo de sus vidas. Hasta aquel momento, la música pop había tratado fundamentalmente sobre la pertenencia, la identificación con el grupo. Sin embargo, esta música, que había sido coreografiada con esmero en un sótano frío y húmedo situado bajo una agencia de señoritas de compañía en el sur de Londres, era un espectáculo sobre la no pertenencia. Para algunos chavales aislados y diseminados por el reino unido, después para los de la costa este de Estados Unidos y más tarde para los de la costa oeste, había llegado la hora. Era el turno de los outsiders.” (Paul Trynka)


Posiblemente la última afirmación sea la más adecuada para definir en una idea simple a un artista tan complejo y versátil como David Bowie: él era, ha sido y será el rey de los outsiders. ¿Pero cómo seguir afirmando esto a pocos días de la publicación de la presentación en vivo del artista en el Glastonbury 2000? Con ese nombre, 19 años después, se ha hecho pública la presentación en vivo, completa, a la que se estima la asistencia de 250.000 espectadores, aun cuando solo 100.000 boletas fueron vendidas. ¿Estamos hablando entonces del outsider más popular de todos los tiempos?
Existen tantas perspectivas para analizar la carrera artística de David Bowie, que centrarse en una resulta francamente complicado. Sin embargo, una de las más poderosas (y hermosas) es su conexión con su público, con sus fans, con todos los adolescentes que salvó y a quienes dio un lugar con su obra, y con todas las personas para quienes aún hoy sigue siendo sostén y fuerza, porque uno no es del todo humano, hasta que escucha Rock and Roll Suicide y levanta las propias manos en busca de las de él.




Si algo supo hacer Bowie fue expresar con profundidad y accesibilidad lo que las personas normales, la mayoría de nosotros, no logramos. Y se nutrió de tanto como pudo para hacerlo: literatura, música, actuación, artes plásticas y escénicas, pero el camino es doble vía y también otras representaciones artísticas se han valido de su obra para transmitirnos algo. El cine, sin duda, ha sido una de las que mejor ha sabido explorar y resignificar la música del británico. Seguramente muchos de nosotros tenemos en la cabeza alguna escena maravillosa donde fue una canción de Bowie la que lo dijo todo. Por eso, a unos pocos días de los aniversarios de su natalicio y muerte, recordamos 5 escenas de grandes películas en las que David Bowie hizo parte de la banda sonora (y esa fue, con certeza, la mejor elección):



1. I, CHRISTINE F. (1981) – STATION TO STATION

Basada en la biografía de Christiane Vera Felscherinow, esta película del director alemán Uli Edel, nos relata la historia de una adolescente adicta a la heroína, sus inicios en el mundo de las drogas y la lucha por su rehabilitación. Una mirada cruda del mundo de la adicción. David Bowie no solo hizo parte de la banda sonora del film, sino que hace una corta aparición haciendo una presentación en vivo en la que, ya una adicta Chrintine, se abre paso entre el público y logra llegar al frente del escenario para consumir un par de pastillas frente los ojos de su ídolo, quien canta:

“It's not the side-effects of the cocaine
I'm thinking that it must be love
It's too late to be grateful
It's too late to be late again
It's too late to be hateful
The European cannon is here
I must be only one in a million
I won't let the day pass without her…”






 2. INGLORIOUS BASTARDS (2009) – CAT PEOPLE

Shoshanna Dreyfus vio con sus propios ojos cómo el coronel Hans Landa asesina a sangre fría a su familia judía, mientras estaban escondidos bajo el piso de la casa de una familia granjera. Años después Shoshanna planea su venganza para quemar vivos al coronel Landa y al resto de líderes nazis en la proyección de una película, de la misma ideología, en su cinema. La canción que acompaña el momento previo a su venganza es Cat People:

Feel my blood enraged
It's just the fear of losing you
Don't you know my name?
You've been so long
And I've been putting out the fire with gasoline




3. PERKS OF BEING A WALLFLOWER (2012) – HEROES

Una de las canciones más famosas de Bowie en una de las películas más famosas de los últimos años. La escena más recordada de este film es, sin duda, la escena del túnel. Una historia que nos habla de cómo cada uno de notros tiene la capacidad, si quiere, de hacer sentir al otro en casa. De cómo no solo podemos ser refugiados, sino también refugios de alguien más, para hacerlo sentir infinito.




 4. THE SECRET LIFE OF WALTER MITTY (2013) – SPACE ODITTY

El salto increíble que da Walter Mitty de las cosas increíbles con las que sueña, a las cosas increíbles que está a punto de empezar hacer, tiene Space Oddity de fondo. Lleva años trabajando con las fotografías para la revista LIFE y de repente ya no puede resolverlo todo desde su oscura y apartada oficina, sino que debe hacerlo llendo a Greenland, Island y hasta al Himalaya.  

“This is ground control to major tom 
Youve really made the grade 
(…) 
Now its time to leave the capsule if you dare”

En palabras de la misma protagonista “Esa canción habla de ser valiente e ir hacia lo desconocido…” ¡Justo la inspiración que el aburrido Walter Mitty necesitaba!



  
5. IO E TE (2012) – REGAZZO SOLO, REGAZZA SOLA

Sin duda mi película favorita de esta lista. No estoy tan segura de que la gran mayoría de seguidores de Bowie conozcan esta canción, o versión. Regazzo solo, regazza sola es una preciosa versión italiana de Space oddity con una letra diferente a la original, compuesta por Mogol.

La escena es la mejor de Io e Te, un film de Bernardo Bertolucci basado en el libro homónimo de Niccolò Ammaniti. Una historia que nos cuenta cómo la intimidad y el reencuentro con personas de nuestro pasado puede sanarnos y salvarnos. Una de las mejores escenas en la carrera del director italiano.





Si siguiéramos revisando las piezas cinematográficas que han hecho a David Bowie parte de su banda sonora, seguiríamos topándonos con lo que estas 5 películas ya nos dejan ver: la voz de Bowie como el lenguaje de los outsiders, los marginados. Aquí tenemos unos pocos, pero la verdad es que los ejemplos siguen y siguen, no sé si por coincidencia o regla divina, pero son los personajes que no encajan, aquellos que se sienten perdidos o ajenos, quienes utilizan la música del camaleón de la música para comunicarse. ¿Acaso no nos identificamos nosotros mismos con alguno de ellos? ¿A caso no somos, cada uno a nuestra manera, un outsider que puede encontrar refugio en la obra de David Bowie?




Gracias Bowie por tu vida, obra y legado. Eres eterno. 
Y gracias a ustedes por leer. ¿Y cuál es la mejor escena cinematográfica que hayan visto con Bowie de fondo? 

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In 2018 Emancipacion. Federico Garcia Lorca Flamenco Novedades Musicales Rosalia Trap

El Mal Querer: Rosalia 2018





Para nadie es sorpresa que Rosalia se ha convertido en una artista reconocida a nivel mundial. Desde Los Ángeles ha venido cosechando una larga racha de aciertos que la han posicionado como una de las artistas mas importantes por lo menos del ultimo año. Y no es por cualquier cosa, sus trabajos, tanto el primero como el segundo han considerado elementos importantes que merecen ser resaltados y felicitados. 

El Mal Querer ha sido un trabajo discográfico que logró encabezar en muchas de las listas de final de año y como fue uno de mis favoritos, no iba a dejarlo pasar. Ya hemos leído, visto y escuchado reseñas de todo tipo. Muchos la han criticado y otros muchos le han dado el visto bueno, lo cierto es que fue este uno de los trabajos mas llamativos del 2018.

Empezaré dándole contexto a cómo quiero que revisemos este trabajo aquí hoy. Este es mas que un disco como tal, en sí mismo contiene dos narrativas que funcionan como un engranaje perfecto a lo largo de todo el trabajo y no es sorpresa, ya que esta obra está basada es un libro. Mi objetivo era analizar tanto el libro como el disco para ahondar en la narrativa y ver como se genera un discurso intertextual entre ambas, sin embargo, este es complicado de conseguir y aun hoy lo sigo buscando.

Pese a esto, logré sacar algunos elementos que podemos trabajar con una obra mas cercana y accesible para todos: Bodas de Sangre de Federico Garcia Lorca. Obviamente, es mucho mas reciente. Pero los antecedentes de esta también tienen tintes de las obras gitanas de la edad media que nos sirven para tomar algunos elementos importantes.

Hablemos de lo macro a lo micro. La historia del álbum se desarrolla en 11 capítulos, el primero utiliza la prolepsis (un recurso narrativo para irrumpir lineas temporales en la historia)  para hacer conocer al lector la problemática que se presenta a través de imágenes que aluden a un palpito negativo o a ensoñaciones premonitorias. 

En esta canción, vemos un elemento que se volverá repetitivo a lo largo de todo el álbum: la luna. Pese a que puede parecer  insignificante, es esta, elemental en la simbologia gitana. En Bodas de Sangre, la luna es un personaje ambiguo, que si bien, mantiene dentro de sí una representación de la feminidad, uno de los pilares cumbres del álbum, también comunica los mensajes trágicos y anuncia la muerte. Esto los complementan con el video, que nos muestra imágenes re-interpretadas de pinturas como Lamentación Sobre el Cristo Muerto. Las imágenes religiosas van a ser visualmente muy importantes dentro de todo el disco, desde el uso en portadas de los sencillos como en los videos. 

A este le sigue el capitulo: Boda, que es la canción Que No Salga la Luna. Esta tiene muchos elementos que apoyan la narrativa y generan un trabajo envolvente. El primero es que desde el título confirmamos a la luna como un elemento primordial que pasa de ser simplemente un ornamento del ambiente de la noche para convertirse en un personaje mas, que todo lo ve y que todo lo oye. No ha de salir porque no ha de oponerse a la consumación de una fatalidad ya anunciada, que como lectores-oyentes también conocemos. Ahí viene el segundo elemento importante y es que, Rosalia no solo nos está mostrando un disco y contando una historia, sino que nos hace parte de ella, aun sin poder actuar como agentes de cambio en algún punto, Estamos en cierto nivel, igual de privados a lo que estará la protagonista de esta narración.

El tercer elemento es el cuchillo, que parece menos brillante que la abundancia de oro que rodea la canción, sin embargo es este un símbolo importante. El cuchillo representa una imposición masculina. Retomando la lectura del libro de Lorca, es este también un anunciante de mal presagio. El filo solo aparece cuando acciones negativas están a punto de suceder, en esta ocasión en ambas historias, tanto en El Mal Querer como en Bodas de Sangre, cuando se consuman las bodas. El acompañamiento visual en la portada, según lo que puedo entender, puede ser una unión irreparable con el dolor, aquel que precede el calvario que está por vivir la protagonista. 

El tercer y cuarto capítulo está dado desde otra mirada. El primero nos mostraba una prolepsis autoreferencial, donde veíamos desde los ojos de la protagonista, el segundo es un narrador distinto, participe de la boda, por esto nos sentimos también cercanos a esta, incluso podríamos ser nosotros los mismos narradores. 

Estos dos, están vistos desde el lado del hombre quien cometerá las fechorías. En estas canciones viene el punto de tensión de toda la narración. Pienso en tú Mirá es la descripción del cuadro celopata del marido quien teme por perder a su esposa a manos de otro a tal punto que la encierra en De Aquí No Sales.

Reniego es el primer lamento de la protagonista donde desde la portada, que tiene un cristal roto, se quiebra la visión romantizada del matrimonio donde siempre se está bien porque se está en compañía. Preso es un interludio muy claro de lo que viene en la segunda parte del álbum, puesto que se habla de bajar al infierno por amor, la pregunta es ¿Por qué bajar al infierno si es el matrimonio una unión mas cercana al cielo cristiano?

Bagdad si bien es una ciudad, ya está más que claro por otras reseñas y por la misma Rosalia, que se habla de una referencia a un sitio nocturno reconocido. Flamenca, al igual que Bodas de Sangre cometen un error irreparable ante los ojos de la iglesia: la infidelidad. En la portada vemos señales, como la curación de los clavos de los pies con oro y la serpiente del pecado como soga de sentencia, por eso esta canción presenta una ambigüedad en su lìrica donde se muestra una pena pero al mismo tiempo el disfrute por las acciones. 

Di Mi Nombre es la representación del acto sexual consumado. El siguiente capitulo trae el otro elemento importante de la obra de Lorca, la nana. Es una de las canciones mas tristes del álbum, puesto que nos habla de un niño no nacido, basada en dos nanas reconocidas, la protagonista nos muestra una canción melancólica de arrullo a un niño que nunca va a despertar. 

En la siguiente canción vislumbrando el final del disco, vemos nuevamente el elemento "trágico", el cuchillo. Desde la portada, que muestra la espada de Damocles, hasta el final de la letra donde en medio de un dilema moral, la protagonista quisiera no estar cuerda para dejar de querer, asesina a quien al mantiene prisionera. 

Emancipándose de cualquier relación patriarcal, el final de esta obra culmina con su libertad no solo como individuo preso sino como mujer.   

En conclusión debo repetir que este álbum es una gran obra, posiblemente una de las mejores hechas en estos últimos tiempos donde no solo se genera una narrativa que es un remake de otra, sino que se complementa con elementos visuales hechos en los videos y las portadas y con la producción que induce elementos de lo clásico a lo actual. A estas alturas es difícil que no lo hayan escuchado y aun así los invito a hacerlo de nuevo y disfrutarlo como lo que es, una obra intertextual y mutimedial exquisita.  

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